1 코펜하겐의 도심 전경. ⒸStefania Zanetti
2 노르하운(Nordhavn)에 자리한 비트라 쇼룸. ©Stefania Zanetti
3 독일의 럭셔리 수전 브랜드 도른브라흐(Dornbracht)는 욕실과 주방을 위한 두 가지 신제품을 공개했다. ⒸMatteo Bellomo
4 콩엔스 뉘토르(Kongens Nytorv) 인근의 레스토랑 에서 열린 롱 테이블 디너. ©Gio Staiano 

 

5 데오론은 작품 사이에 사운드 시스템을 설치해 몰입감을 극대화했다. ⒸDeoron
6 스튜디오 페니(Penny)가 연출한 대형 설치 작품 ‘Into the Shades’. ⒸLouis Poulsen
7, 8 비트라는 베르너 팬톤 탄생 100주년을 기념해 새로운 컬러와 패브릭을 적용한 그의 대표작을 선보였다. ⒸStefania Zanetti

 

 

 

 

1 로얄코펜하겐이 금세공가 아르예 그리그스트(Arje Griegst)의 트리톤(Triton) 컬렉션을 50년 만에  재해석해 선보이는 전시 <Triton: A Masterpiece Resurfaces>를 공개하며 완성된 트리톤 도자기와 유약을 바르지 않은 비스크(bisque) 작품을 함께 배치한 섬 형태의 설치 작품을 선보였다. 2 덴마크의 유서 깊은 카페 라 글라스(La Glace)와 협업해 팝업 카페를 연 루이스폴센. ⒸLouis Poulsen 3 테클라는 샤를로텐보르(Charlottenborg) 궁전에서 패치워크 퀼트의 전통과 장인 기술을 탐구하는 전시를 마련했다. ©Gio Staiano 4 로얄코펜하겐 크리에티브 디렉터 재스퍼 닐슨(Jasper Toron Nielsen). 5 파도와 조개껍데기에서 영감 받은 트리톤(Triton) 컬렉션 봉보니에르(bonbonniere). 6 알바 알토의 아이코닉한 베이스 ‘알토 90’ 탄생을 기념한 이딸라. ©iittala

 

7 베르너 팬톤 탄생 100주년을 기념해 모듈 가구와 강렬한 색면을 중심으로 구성했다. ⒸMontana 8 런던 기반의 디자이너 존 트리(John Tree)가 브레드앤버터를 위해 디자인한 버킷 스툴. ©Bread and Butter 9 프롤로그 커피 바를 새롭게 해석해 판금이 지닌 가능성을 탐구한 구오듀오. ⒸMaya Matsuura 

 

북유럽 대표 디자인 축제, 3daysofdesign

지금 세계 디자인계가 주목하는 도시는 코펜하겐이다. 클래식과 실험, 공예와 기술, 디자인과 일상이 자연스럽게 교차하는 이곳에서 북유럽 디자인은 묵직한 유산 위에 새로운 질서를 조형해가고 있다. 그 흐름을 가장 선명하게 보여주는 무대가 바로 ‘3daysofdesign’이다. 2013년 네 개의 덴마크 브랜드가 항구 지역의 창고에서 시작한 작은 행사는 이제 스칸디나비아 디자인의 현재와 다음을 보여주는 글로벌 축제로 성장했다. 올해는 전시만 572개가 열렸고, 140여 개국에서 무려 12만5000명이 방문했다. 전년 대비 두 배 이상 늘어난 방문객 수는 이 축제의 가파른 성장세를 입증한다. 하지만 3daysofdesign의 저력은 숫자 너머에 있다. 도시 전체를 하나의 거대한 전시장으로 활용하는 방식이야말로 여타 디자인 페스티벌과 구별되는 가장 큰 특징이다. 브랜드 쇼룸과 박물관, 갤러리는 물론 역사적 건축물과 거리의 카페까지, 코펜하겐 곳곳의 일상적 공간이 살아 있는 전시장으로 변신한다. 관람객은 정형화된 부스를 빠르게 통과하는 대신 도시를 거닐며 제품을 만지고, 디자이너와 직접 대화하며, 각 브랜드가 구축한 세계관을 온전히 경험한다. 무엇보다 누구나 별도의 티켓 없이 전시를 관람할 수 있다. 업계 관계자뿐 아니라 시민과 여행자까지 자연스럽게 축제의 일부가 되는 것이다. 디자인을 도시의 일상과 열린 커뮤니티 안에서 경험하게 하는 이 구조가 3daysofdesign만의 고유한 힘이다. 
올해의 주제는 ‘이 순간을 의미 있게’. 주최 측은 과거의 유산과 미래의 가능성 사이에서 현재의 선택과 행동에 집중하자는 뜻을 담았다고 설명했다. ‘지금 여기’에서 할 수 있는 일을 시작하고, 형태와 기능을 넘어 사람과 공동체, 환경에 의미 있는 영향을 남기자는 메시지다. 참여 브랜드와 디자이너들은 자신들이 중요하게 여기는 가치와 태도를 공간과 오브제, 소재와 경험으로 풀어냈다. 신제품을 선보이는 데 그치지 않고, 오늘의 삶과 어떤 관계를 맺으며 앞으로 무엇을 남길 것인지 보여준 것이다. 행사 전반에서도 디자인을 삶과 분리된 결과물이 아닌 일상의 일부이자, 인간의 감각과 관계를 일깨우는 매개로 바라보는 흐름이 두드러졌다. 올해 신설된 ‘커뮤니티 롱 테이블 디너’는 이러한 방향을 상징적으로 보여줬다. 디자이너와 브랜드, 시민과 방문객이 한 식탁에 둘러앉아 사회와 지역, 디자인에 관한 이야기를 나누며 이를 하나의 사회적 경험으로 확장했다. 디자인과 환대, 비즈니스와 일상이 경계 없이 교차하는 친밀한 분위기. 바로 이 점이 코펜하겐을 단순한 신제품 발표의 무대가 아니라, 동시대 디자인의 방향을 함께 논의하고 새로운 관계를 맺는 거점으로 만든다.

 

 

 

 

1 플라워팟으로 전시장을 가득 메운 앤트래디션. Ⓒ&Tradition 2, 3 폴 헤닝센의 PH 시스템 100주년을 맞아 ‘PH 센테너리 에디션’을 공개했다. ⒸLouis Poulsen 4  ‘패러다임 모듈러 소파’ 컬러 블록 에디션을 선보인 몬타나.ⒸMontana 5, 6, 7 이딸라는 하이드로(Hydro), 타블로 CPH(Tableau CPH)와 협업해 거대한 알루미늄 파빌리온을 세웠다. ©iittala

 

헤리티지 디자인을 갱신하는 법

올해는 유독 디자인 거장과 아이코닉한 피스의 기념비적인 순간을 조명한 전시가 눈에 띄었다. 앤트레디션은 플래그십 스토어에서 전시 〈Traces〉를 열고 베르너 팬톤 탄생 100주년을 기념했다. 팬톤의 초기 팔레트를 플라워팟(Flowerpot) VP1에 새롭게 적용하고, 아카이브와 신작을 함께 배치해 그의 유산을 오늘의 감각으로 되살렸다. 몬타나(Montana) 역시 두 개의 쇼룸에서 팬톤의 색채 유산과 실험 정신을 재조명했다. 모듈 가구와 강렬한 색면, 탠저린 컬러의 한정판 팬톤 와이어(Panton Wire)를 통해 색을 공간의 분위기와 정체성을 결정하는 요소로 바라본 그의 철학을 선명하게 드러냈다.
한편, 루이스폴센은 플래그십 스토어에서 폴 헤닝센의 시스템 PH 탄생 100주년을 기념하며, ‘센테너리 컬렉션(Centenary Collection)’을 공개했다. 에이징 브라스 마감과 마우스 블로운 기법의 글라스, 정교한 컬러 조합을 더해 헤리티지에 현대적 미감을 입혔다. 야외 공간에서는 코펜하겐 디자인 스튜디오 페니(Penny)가 연출한 대형 설치 작품 ‘Into the Shades’를 선보였다. 겹겹의 구조물과 움직이는 표면으로 빛과 그늘의 흐름을 시각화하며, 빛을 다루는 시스템을 경험하게 했다. 이딸라는 알바 알토 화병 탄생 90주년을 기념했다. 화병의 유려한 실루엣을 본뜬 높이 7m의 ‘알토 90 파빌리온’을 세우고, 여섯 도시에서 영감을 얻은 한정판 ‘알토 90 시티 베이스’를 공개했다. 타블로 코펜하겐(Tableau CPH)이 설계하고 알루미늄 기업 하이드로(Hydro)가 저탄소 알루미늄으로 구현한 파빌리온은 관람객이 곡선 안으로 직접 걸어 들어가도록 설계됐다. 손에 쥐는 작은 유리 오브제를 도시 광장에 놓인 건축적 경험으로 확장한 장면이 인상적이었다.

 

 

 

 

1, 2  ‘사운드 클럽’으로 탈바꿈한 프리츠한센 쇼룸. ⒸFritz Hansen 3  30여 디자이너의 작업과 사운드 프로그램을 한 공간에 엮은 데오론. ⒸDeoron
4  베오시스템 9000c, 베오사운드 2·A9, 베오시스템 3000c를 공개한 뱅앤올룹슨. ⒸB&O 5 A.C. 퍼치스 티와 함께 휴식의 순간을 완성한 누라. ⒸNuura 6 라 카브라의 커피와 함께 새로운 컬렉션을 오감으로 경험하게 한 볼리아. ⒸBolia 7, 8 조류 기반 바이오플라스틱의 새로운 순환을 실험한 이솝. ⒸAesop 9 비트라와 협업해 카페를 선보인 크바드라트. ⒸKvadrat

 

향과 맛, 사운드로 확장된 감각

브랜드가 메시지를 전하는 방식도 한층 입체적으로 진화했다. 프리츠한센(Fritz Hansen)은 테크닉스(Technics)와 함께 플래그십 스토어를 ‘사운드 클럽(Sound Club)’으로 변모시켰다. 버건디 컬러의 카이저 이델(KAISER idell) 6631-T 램프와 턴테이블이 놓인 공간에서 방문객들은 프리츠한센의 의자에 앉아 전용 바이닐과 DJ 세션을 즐겼다. 뱅앤올룹슨(Bang & Olufsen)은 스트란 거리의 한 유서 깊은 아파트를 ‘아름다운 사운드의 레지던스(Residence of Beautiful Sound)’ 공간으로 탈바꿈했다. 실제 주거 공간처럼 꾸민 곳에 클래식과 신작을 배치하고, 베오시스템 3000c(Beosystem 3000c)의 복원 과정과 일본 장인·브랜드와의 협업을 공개해 ‘소리와 함께 살아가는 집’을 구현했다. 데오론(Deoron)은 작품 사이에 사운드 시스템을 배치하고 리스닝 세션과 공연을 이어가며 물성과 음악, 사람의 움직임이 교차하는 풍경을 연출했다. 이솝(Aesop)은 아티스트 제시 프렌치(Jessie French), 그리고 소재 스튜디오 아더 매터(Other Matter)와 협업해 글로벌 디자인 이니셔티브 및 전시 프로젝트인 ‘오래 지속되는 형태(Enduring Forms)’를 선보였다. 뉘하운 매장에는 조류 기반 바이오플라스틱으로 만든 거대한 제품 실루엣을 설치하고, 크론프린센스 거리 매장에서는 핸드밤 튜브 형태의 조각을 관람객이 직접 떼어 가져가도록 했다. 소재를 만지고 소유하는 작은 행위로 촉각적 경험과 순환의 의미를 함께 전한 것이다.
코펜하겐의 유명 로스터리와 티하우스를 전시장 안에서 만나는 경험도 이어졌다. F&B 협업은 단순한 서비스에 그치지 않고, 관람객이 오래 머물며 대화하도록 이끄는 환대의 장치로 기능했다. 볼리아(Bolia)는 홀멘 플래그십 스토어에서 2026 A/W 컬렉션과 새로운 비주얼 아이덴티티를 공개하고 라 카브라(La Cabra) 커피를 함께 선보여, 쇼룸을 신작과 대화가 오가는 살롱으로 확장했다.
크바드라트(Kvadrat)는 노르하운 쇼룸에 비트라(Vitra)와 협업한 카페를 열었다. 크바드라트의 텍스타일과 비트라의 아이코닉 가구로 꾸민 공간에서 셰프 미켈 카르스타(Mikkel Karstad)의 계절 요리를 맛보며 디자인과 미식을 함께 경험할 수 있었다. 

 

 

 

 

1-4 서울에서 영감받은 공간에 레어로우와 플랫포인트, 일광전구의 디자인을 펼쳐 보였다. ⒸBrian Buchard 5 동시대 디자이너 16명과 목욕을 주제로 한 전시를 선보인 브레드앤버터. ©Bread and Butter 6 브레드앤버터의 큐레이터이자 디자이너 김명년, 정벼리, 최희. ©Bread and Butter 7 덴마크 디자이너 마리아 브룬의 ‘Tearful Waters’ ©Bread and Butter 8, 9 히코우 테이블을 중심으로 여러 디자이너의 금속 가구를 하나의 연속된 풍경으로 엮었다. ⒸMaya Matsuura

 

K-디자인의 눈부신 활약

한국 브랜드와 디자이너의 존재감이 어느 때보다 선명했다. 그간 아시아 디자인에 대한 관심이 일본 중심이었다면, 올해는 가구와 조명, 공간을 아우르는 동시대 K-디자인을 향한 현지의 높은 관심을 체감할 수 있었다. 한국을 대표하는 리빙 브랜드 일광전구와 레어로우, 플랫포인트는 공동 전시 〈한국 일상의 단면(Portrait of Korean Living)〉에서 오늘날 한국의 주거 풍경을 그려냈다. 전시를 기획한 스위스 크리에이티브 스튜디오 지니 모이니에(Gini Moynier)는 디자인과 기술이 교차하는 서울의 풍경에서 영감을 얻어, 현대적인 한국의 이미지와 전통적인 정서를 하나의 공간에 엮었다. 레어로우의 모듈 시스템 ‘SYSTEM000’, 일광전구의 대표 조명 ‘SNOWMAN’, 플랫포인트의 가구 ‘DOB’는 서로 어우러져 일상의 한 장면을 완성했다. 여기에 이지은 작가의 신작 네 점을 배치해, 한국의 생활 문화와 주거 공간에 깃든 정서를 한층 시적인 풍경으로 확장했다. 
브랜드뿐 아니라 한국 디자이너의 존재감도 빛났다. 에이이 오피스(Ae Office)의 최희와 김명년, 산업디자이너 정벼리가 공동 기획한 브레드앤버터(Bread and Butter)는 ‘완벽한 한 쌍’을 주제로 동시대 디자이너를 연결하는 독립 전시 플랫폼이다. 지난해 첫 에디션이 식탁 위 오브제를 주제로 삼았다면, 올해는 ‘Perfect Pair in Bathing’을 통해 시선을 욕실로 옮겼다. 여섯 국가의 디자이너 16명은 각 지역의 목욕 문화를 바탕으로, 돌봄과 휴식의 기억을 두 개의 사물로 풀어냈다. 참신하고 감각적인 구성으로 다시 한번 호응을 얻은 브레드앤버터는 오는 11월, 세 번째 전시이자 첫 서울 에디션을 선보일 예정이다. 맹유민과 이화찬이 이끄는 구오듀오(KUO DUO)는 프롤로그 커피 바(Prolog Coffee Bar)에서 열린 전시 〈A Prologue to EETAL〉을 선보였다. 금속 가공 기술의 가능성을 탐구하는 EETAL 프로젝트의 크리에이티브 디렉션과 공간 디자인을 맡아, 산업 기술을 동시대 디자인의 언어로 번역했다. 알루미늄 판재 특유의 가벼움과 유연한 움직임을 조형적으로 구현한 가구 컬렉션 ‘히코우(HIKOU)’가 중심을 이뤘다. 기술과 조형, 브랜드와 공간을 유기적으로 연결하며 한국 디자인 스튜디오의 확장된 역량을 보여준 전시였다.  

 

 

 

 

 

우브에

지리적으로 아득히 멀지만, 한국과 코펜하겐은 서로 묘하게 닮았다. 일상 속 목욕과 사우나로 몸을 비우고 내면을 고요하게 정돈하는 정적인 리추얼을 공유한다는 점에서 그렇다. 초여름 백야의 낭만이 머무르는 코펜하겐에서 퍼퓸드 라이프스타일 브랜드 ‘우브에(OUVE)’는 이 닮은꼴의 정서에 주목해 숨을 고르는 짧은 여백을 목욕 문화와 결합하여 ‘THE RITUAL OF DRYING’이라 정의했다. 이들의 이야기는 평범하고도 신성한 ‘목욕과 휴식’의 미학을 빌려, 구시가지의 명소인 ‘누라 레지던시(Noura Residency)’에서 특별한 서사를 펼쳤다. 공간 전체의 서사는 예술적 연대로 깊어졌다. 디자인 스튜디오 ‘브레드앤버터(Bread and Butter)’가 사우나 문화를 감각적인 시각 연출로 구현해낸 공간 위로, 세계 각지의 디자이너 16명이 참여한 ‘배스 페어링(Bath Pairing)’ 프로젝트가 더해지며 공간의 밀도를 높였다. 여기에 광목 위 실크스크린으로 재해석된 송철 작가의 아이슬란드 사진은 침묵의 정서를 지탱했고, 신혜림 작가의 폴라로이드 시리즈 ‘Floating Seaweed’ 작품은 물속 해조류의 유영을 통해 소재의 시간성을 조용히 건넸다. 
이 리추얼은 코펜하겐의 한식 다이닝 ‘OURI’의 식탁으로, 그리고 제주의 ‘우연못 티하우스’가 준비한 7월의 블렌딩 티 ‘클로드 모네’로 이어지며 차분하게 완성되었다. 우브에가 선보인 ‘마르는 시간의 미학’은 바쁜 현대인에게 하루의 끝과 시작을 어떻게 마주해야 하는지 깊은 질문을 던진다. 

writer PARK JEEHAE(스피커 프로젝트 매니저) 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

더네이버, 라이프스타일, 디자인