좋은 공연이나 영화를 보고 극장 밖으로 나설 때면 내가 걷는 도시가 다르게 느껴질 때가 있다.  이동하는 거리와 동선의 익숙함이 새롭고 경쾌한 느낌으로 다가와 일상을 다시 바라보게 한다. 미술관에서는 작가의 시간이 쌓인 창작품을 관람자가 고유한 시선으로 관조한다면, 극장의 공연은 작품이 이끌어가는 선행적인 시간에 관람자가 동행한다. 막상 극장을 나서서 걷기 시작하면 작품이 조형한 흐름에 참여한 시간은 나의 사유로 천천히 돌아온다. 그래서였을까? 학부 때 한 문학 교수님은 좋은 배우자를 판별하는 방법은 함께 좋은 작품을 보고 그의 얼굴을 바라보는 것이라고 했다. 일상의 시간으로 같이 돌아올 수 있는 사람인가, 이 ‘좋음(善)’에 함께 잠겼던 사람인가. 이 좋음을 우리가 일상에서도 함께 이어갈 수 있는 파트너인가? 그러고 보면 예술은 사람에 대해 끊임없이 이야기하는 것 같다. 나와 너와 그리고 우리가 함께 사는 세계에 대해 말이다.   

 

사회학자 어빙 고프만(Erving Goffman)은 도시를 하나의 무대로 보았다. ‘도시를 넘어 온 세상이 무대는 아니지만 그렇다고 해서 어떤 점에서 무대가 아닌지 그 차이를 짚는 것도 어렵다’고 말한다. 그의 말을 몇 번 반복해 읽으며 웃게 되는 건, 세계와 무대가 같다는 대범한 말을 하면서도 그의 머뭇거림이 오히려 이 문장의 대범함을 더 부각시키기 때문이다. 좋음이 무엇인지, 사람이 무엇인지에 대한 예술의 질문은 고대 철학부터 미학을 관통한 주제다. 우리말 ‘아름다움’의 ‘아람’은 ‘나’를 뜻하며 아름다움은 ‘나다움’이라 한다. 특히 몸이 반응하고 표현하는 무언의 무용을 보면 현실보다 한 걸음 뒤, 한편으로 더 깊숙이 무용수의 움직임을 통해 나를 깊이 바라보게 된다. 그래서 이 시간, ‘현장성’이 미디어나 사진으로 대체될 수 없는 고유한 시간임을 쇼츠와 틱톡이 미디어를 채우는 시대에도 고집스럽게 지키고 있는 것 같다. 

공연은 패션처럼 앞으로 일 년의 트렌드 방향을 이끌지 않고 일 년이 지날 때 한 해의 트랜드가 떠오르는 식이다. 선언으로 이뤄지는 예술의 방향이라기보다 한 해를 지나고 보니 예술가들이 그 시간에 대해 무엇을, 어떻게 말했는지 리뷰할 수 있는 식이다. 이런 점에서 예술은 시대에 반응하는 매체이다. 그런 의미에서 2025년 무대에 오른 작품의 갈래들을 살펴보고자 한다. 특히 반클리프 아펠이 후원하는 무용축제 ‘Dance Reflection(Dance Reflection by Van Cleef & Arpels Festival)’가 무용과 연극, 다원예술을 다루는 서울국제공연예술제(SPAF, Seoul Performing Arts Festival)와 협업해 3주간 열린 풍성한 무용 축제가 떠오른다. 반클리프 아펠뿐만 아니라 파리 오페라 발레단을 후원하는 샤넬, 에르메스, 까르띠에 등 글로벌 하이 럭셔리 브랜드가 무용과의 관계를 가볍게 여기지 않는 것은 왜일까? 현재 시점에서 선형의 시간을 통해 전통과 현대의 가치를 살아 움직이게 할 수 있기 때문일 것이다. 우리는 지금 어느 시대를 살아가고 있으며, 나는 어떻게 이 시대에 부응했는지 2025년의 무용 공연을 통해 되돌아보고자 한다. 

 

 

1,2 (라)오호드((LA)HORDE)연출, 마르세유 국립발레단 (Ballet National de Marseille)협업작 <룸 위드 어 뷰 Room With a View>

 

예술계가 주목하는 접근성, 다양성, 이상기후

UN이 2015년부터 2030년까지 제시한 지속가능발전목표(SDGs)를 기반으로 예술계는 ‘접근성(accessibility)’과 ‘다양성(diversity)’, ‘이상기후(climate change)’에 주목해왔다. 접근성은 장애인의 예술 감상과 활동에 대한 진입 장벽을 낮추는 실천이다. 대표적으로 시각장애인을 위한 음성 해설과 터치투어, 청각장애인을 위한 자막 상영과 수어통역이 있다. 극장에서 공연을 관람할 때 이어폰을 통해 해설가의 음성 해설을 동시에 듣는 방식으로 무용 작품 감상이 어려운 이에게도 친절히 다가간다. 모두 함께 예술을 감상할 수 있는 구조와 기술이 극장과 미술관 전반에 확대되는 추세다. 2023년에 충정로에 개관한 ‘모두예술극장’은 장애 예술가의 창작 활동을 위한 공간이자 기존 예술가는 물론 모든 이가 다른 감각과 표현 방식으로 창작 언어를 새롭게 탐구하고 다면적으로 작품에 접근할 수 있는 공간이다. 
다양성은 장애뿐 아니라 성별, 인종, 문화, 성 정체성 등 다양한 배경을 가진 이들에게 예술적 동등성을 보장한다. 예술의 역사가 오랫동안 백인 남성 중심의 구조를 유지해온 만큼 비전형적인 몸, 나이 든 몸, 장애가 있는 몸이 무대에 올라오기 시작했다. 무용은 작가의 몸이 도구이면서 표현의 수단이다. 예술이 다양한 몸을 포용하면서 서로의 몸을 메타적으로 바라보고 동시대에 비평적 관점의 주제의식으로 작품을 창작하는 미학적 확장이 최근에야 이뤄지고 있다. 기술과 사이보그, 트랜스휴먼, 포스트휴먼 또한 이에 속한다. 코로나 이후 기술 발전의 가속이 붙은 현재 기술과 신체의 융합, 그 의미에 대해 사유하는 것 또한 더 이상 새로운 일이 아닌 시대가 되었다. 
이상기후는 인간 활동으로 인한 글로벌 기후 변화 전반을 의미한다. 이에 가장 민감하게 반응한 안무가는 제롬 벨(Jérôme Bel)이다. 그는 2019년 페이스북에서 심각한 기후 위기 문제에 경각심을 갖고 앞으로 비행기를 이용하지 않겠다고 선언했다. 이후 해외 공연 시, 현지의 스태프와 예술가에게 튜토리얼과 소스만 온라인으로 전달해 수행하도록 하는 방식을 택했다. 퍼포먼스 자체가 아카이브되는 구조, 같은 작품이지만 튜토리얼을 해석하는 현지 퍼포머의 방식에 따라 다양해지는 표현을 포용하는 작품 구조, 그의 작품은 어디서 누가 공연하는지에 따라 달라진다.   

 

 

무용의 헤리티지와 창조성을 지원하는 반클리프 아펠 ‘Dance Reflections’

반클리프 아펠의 무용 후원은 1920년 루이 아펠의 조카 루이 아펠(Louis Arpels)이 발레에 깊은 애정을 갖고 파리 오페라 발레단과 교류한 데서 시작된다. 이를 계기로 메종의 상징인 ‘발레리나 클립(Ballerina Clip)’이 탄생했다. 이후 뉴욕 현대미술관(MoMA), 로스앤젤레스 현대미술관(MOCA) 등 주요 기관 후원을 이어왔으며 2010년부터 다양한 예술 단체와 장기 협업을 시작했다. 2020년 공식 출범한 ‘댄스 리플렉션’은 창작, 전승, 교육을 핵심 원칙으로 삼아 안무 유산을 보존하고 새로운 창작을 지원하고 있다. 그동안 반클리프 아펠이 제작 지원한 대표작을 보면 현재 컨템퍼러리 무용의 선두에 있는 트리샤 브라운 댄스컴퍼니의 〈Trisha Brown Retrospective〉(2021), 지젤 비엔의 〈Crowd〉(2021), 시디 라르비 셰르카위의 <Nomad>(2022), 안나 테레사 드 케이르스마커의 〈The Goldberg Variations〉(2022), 보리스 샤르마츠의 〈Boris Charmatz Series〉(2023), 피나 바우슈 재단 등으로 동시대와 전통의 만남으로 아름다움의 가치가 더욱 발현되는 경이로운 순간을 목격할 수 있었다. 작년 서울에서는 중국, 프랑스, 네덜란드, 이탈리아, 영국, 한국, 포르투갈 총 아홉 개국의 초연 작품이 무대에 올라 반클리프 아펠이 주목하는 동시대의 아름다움을 관람할 수 있었다. 신체의 한계, 균열, 비판적 감각을 드러내는 작품으로 구성한 댄스 리플렉션과 더불어 협업 축제 SPAF는 ‘얽힘과 마찰’이라는 주제로 매끄럽고 깨끗한 상태로 변하고 있는 현대의 미적 경험에 반해 진정한 아름다움을 불완전하고 낯설며 다면적 미적 경험에서 발견하고자 했다.    

 

 

 

정구호(Kuho Jung), 서울시무용단(Seoul Metropolitan Dance Theatre). 

 

K-Dance, 새로운 팬덤 

발레, 현대무용, 한국무용이 중심을 이루는 순수 무용계에도 팬덤 문화가 형성되기 시작했다. 그 출발점은 2013년부터 3년간 방영된 Mnet의 댄스 서바이벌 프로그램 <댄싱9>, 2021년 여자 댄스 크루 오디션 <스트릿 우먼 파이터>. 2024년 <스테이지 파이터> 등이다. 장르는 달라 보이지만 모두 백업 댄서나 순수 무용수의 테크닉을 전면에 부각해 대중의 관심을 끌었다. 10여 년에 걸쳐 대중이 무용수의 신체 능력과 기술을 체감하는 경험이 누적되면서 무용계에도 팬덤이 형성되기 시작한 것이다.

 

 

<일무(One Dance)>. 

 

한편 전통을 현대적 미감으로 재해석한 작품도 눈에 띈다. 패션 디자이너로 활동했으나 비주얼 디렉터로 전환하여 꾸준히 무용 연출 작업을 펼치고 있는 정구호가 서울시무용단의 〈일무(One Dance)〉를 연출해 세종문화회관 대극장 매진에 이어 뉴욕의 링컨센터 매진을 기록하며 한국무용의 미학을 국제적으로 알렸다. 종묘제례악을 과감히 현대적으로 재해석한 작품은 수십 명의 무용수가 같은 동작으로 만들어내는 선과 면의 기하학적 패턴을 무대 전체로 확장시켰다. 무용수의 의상 색은 무대의 색과 연결되며 무용수의 몸에서 무대 공간으로의 확장은 몸, 의상, 공간으로 이어져 무대 전체가 하나의 통일감을 갖는다. 이 또한 정구호가 2013년부터 국립무용단과 〈단〉, 〈묵향〉, 〈향연〉, 〈춘상〉, 〈산조〉 등을 작업하며 축적된 경험과 관객의 인지도가 형성되어 있었기에 가능했다. 그런가 하면 작년에는 애니메이션 〈케이팝 데몬 헌터스〉로 한국의 ‘갓’이 열풍을 일으키면서 신생 발레 단체 윤별발레컴퍼니가 2024년에 발표한 창작 발레 〈갓(GAT)〉이 잇단 매진 사례를 이루었다. 이 외에도 한국관광공사의 영상으로 주목받은 이날치와 협업한 앰비규어스댄스컴퍼니는 콜드플레이 뮤직비디오에 출연하며 세계적 확장을 이루었고, 안은미컴퍼니는 유럽에서 독보적인 활동을 이어가며 주요 극장의 러브콜을 받고 있다.

 

 

1 앰비규어스댄스컴퍼니 (Ambiguous Dance Company ). 2 <피버(Fever)>. 3 윤별발레컴퍼니, <갓(GAT)>. 

 

올해 겨울에는 2029년 준공을 목표로 여의도에 제2세종문화회관이 착공에 들어간다. 도시에 극장이 세워진다는 것은 설레는 일이다. 극장의 안과 밖에서 이어지는 시간은 관객에게 자신만의 고유한 경로로 말을 건다. 어빙 고프만의 시선으로 본다면 극장 밖으로 나왔을 때 우리의 공연이 시작된 것이다. 나는 무대 위에서 어떤 퍼포머가 되고 싶은가? 나다운 몸짓, 말, 행동은 주변을 어떻게 바꾸는가? 올해 펼쳐질 우리의 공연을 기대해본다.    

 

양은혜
양은혜는 무용 칼럼니스트이자 기획자, 시각장애인에게 무용을 해설하는 무용 음성 해설가다. 현재 메타기획컨설팅에서 일하고 있으며, 도시 건축과 문화예술이 만나는 접점에서 기획과 연구, 글을 쓴다.  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

더네이버, 라이프스타일, 무용공연