호랑 서촌 쇼룸의 배용희 대표. 카운터 전면은 탄화 기법을 활용한 박홍구 작가의 목공예 작품이다.

 

 

전통과 현대 사이

배용희
호랑 대표

 

‘일상을 위한 조각을 만듭니다’라는 모토로 커틀러리와 칼을 생산하는 브랜드 호랑. 도쿄에서 시각디자인을 전공한 배용희 대표는 한국에서 편집숍을 운영하다 2020년 호랑을 론칭했다. 금속 표면 처리 분야 전문가인 아버지 배명직 명장, 그리고 40년간 수저를 생산해온 전문 업체는 호랑의 제품에 신뢰를 더하는 든든한 협업자다. 한식기의 형태를 따르되 미니멀한 디자인의 커틀러리는 여러 파인 다이닝과 브랜드 행사에 사용되며 차츰 이름을 알렸다. 그리고 2025년 2월, 호랑의 첫 오프라인 쇼룸이 문을 열었다. 서촌의 작은 한옥은 나무 기둥과 서까래를 보존한 채 오래된 공예품과 장인의 작품, 호랑의 제품을 품고 있다. 권혁율 목재 명장의 지휘 아래 기존 골조를 드러내고, 한옥 마루 고재를 우물 정(井) 자로 끼워 맞춰 리모델링한 결과다. 이 밖에 카운터 전면에는 소나무 탄화 과정을 드러낸 박홍구 작가의 작품, 선반장에는 故 이자성 청송 한지장의 외발뜨기 유작을, 한쪽 벽면은 일본 작가 카미소에의 푸른 벽지를 설치했다. 단순한 브랜드의 쇼룸을 넘어 새로운 영감을 불러일으키는 명소가 될 만한 호랑 서촌에 조심스레 발을 들였다.

 

 

1 한옥을 리모델링한 쇼룸 외관. 2 이자성 청송 한지장의 외발뜨기 한지 너머 공예품의 그림자가 드리운다. 

 

 

여러 아이템 가운데 왜 커틀러리를 택했나? 아버지의 영향도 작용했는지? 빈티지 아이템을 좋아해 조금씩 수집하다 모은 물건을 판매해보자는 단순한 생각으로 편집숍을 열었다. 2년 정도 운영하니 회의감이 들더라. 주로 유럽 빈티지 오브제와 교토 장인의 공예품을 들여왔는데, 어느 순간 한국에서 굳이 해외 물건을 팔아야 하나 의문이 생겨났다. 한국에서 좋은 물건을 만들 수 있지 않을까 고민하다 스테인리스를 활용해 아버지와 협업할 수 있을 것 같아 조언을 구했다. 처음 만든 건 칼이었다. 아버지 소개로 38년간 칼만 생산하다 파산한 대표님을 만났다. 저렴한 중국산과 고가의 유럽산 사이에서 한국산 칼은 경쟁력이 없어진 것이다. 그 기술력을 살려보고자 했다. 이윽고 옵션이었던 커틀러리 생산에 착수했다. 칼과 마찬가지로 그간 수저 공장도 많이 사라졌는데, 제대로 브랜딩해서 키워보고 싶었다.

 

한국 젓가락은 금속 소재에 납작한 형태가 특징이다. 디자인적으로 간결함과 실용성에 집중했는데, 한국 젓가락의 특성을 반영한 과정이 궁금하다.아시아 문화권에서 젓가락이 통용되지만 쇠젓가락은 한국 고유의 문화다. 또 중국이나 일본과 달리 우리는 밥그릇을 손으로 들지 않기에 숟가락 활용도가 높다. 쇼룸에 전시한 고려시대 청동 수저만 보아도 우리 선조는 쇠로 만든 납작한 젓가락을 사용했다. 이후 조선시대에는 은이나 방짜유기가 주를 이뤘고. 이처럼 옛 기물도 참고하지만 제품 디자인 시 가장 많이 참고하는 건 콘스탄틴 브랑쿠시, 이사무 노구치 등 19세기 이후 탄생한 조각가의 작품이다. 프랑스에서 활동한 브랑쿠시가 미니멀리즘 조각 작업에 아시아의 영향을 받았듯, 동서양의 융합을 적용하고 싶었다.

커틀러리를 실버, 골드, 블랙 컬러로 구성한 이유는 무엇인가? 식용으로 사용할 수 있는 컬러가 세 가지뿐이다. 세 가지 색에 광택의 차이만 주었다. 블랙 컬러는 아버지와 함께 개발했는데, 검정에 가까운 색을 내는 건 기술적으로 어려운 작업이다. 호랑만의 시그너처 컬러라 할 수 있다.

조선시대 수저를 모티프로 한 양식기도 출시된다고. 그랜드 하얏트 서울의 레스토랑 테판과 협업해 개발했다. 전통적인 형태에 얇았으면 좋겠다는 요청이 있었고 2년간 논의를 거쳤다. 내 디자인 욕구를 따르기보다 클라이언트의 요청에 맞추다 보니 오히려 새로운 결과물이 탄생했다. 메인 디시용과 사이드 디시용 두 가지로 구성된다.

 

 

1 이광호 작가의 매듭 설치 작품은 12월 전시되었다. 2 교토의 종이공예 작가 카미소에와의 협업은 배용희 대표의 오랜 바람이었다. 3 호랑의 양식기 제품.

 

실제로 쇼룸에 와보니 마냥 고아하고 소박한 한옥이라기보다 모던하게 느껴진다. 어떤 색의 공간을 만들고 싶었나? 건축법상 1965년 등록됐지만 짐작하기에 더 오래된 건물 같다. 이전에는 부동산 중개 업소였는데 서까래와 기둥이 다 가려져 있었다. 공사를 하며 기둥에 붙은 신문지나 벽지의 흔적을 최대한 살리려 했다. 서까래는 보통 흰색 페인트만 칠하는데, 옛날에는 황토를 바른 뒤 흰 조갯가루를 으깨 회벽으로 마감했다고 한다. 조갯가루는 구현할 수 없어 황토를 먼저 바른 뒤 흰 페인트를 덧칠했다. 또 한옥이라 하면 올드한 건물을 상상하기 쉬운데, 해외에는 오랜 공간의 특징을 살려 모던하게 꾸민 공간이 많다. 한국에서도 현재 트렌드에 맞는 현대적 공간을 만들어보고 싶었다. 

 

한국 작품과 일본 공예품을 함께 배치할 때 어떻게 균형점을 찾았는지? 한국과 일본 공예의 장점이 융합되도록 노력했다. 한국 공예는 자연적이고 ‘검이불루 화이불치’ 철학에 부합한다. 반면 일본 공예품은 정교함과 완벽을 추구한다. 단적으로 한국이 자연 친화적인 목재 작업에 강하다면, 일본은 섬세한 유리 작업이 강점이다. 이런 요소를 잘 조율하면 시너지를 내리라 판단했다. 

전통의 수명을 연장하기 위해서는 현대인의 관점으로 풀어내는 시도가 필요한 것 같다. 변화가 필요할 때 빠르게 받아들이는 것이 중요하다. 현대적으로 해석해야 다음 세대로 이어질 수 있다. 쇼룸에 이광호 작가의 매듭 작업을 전시한 것도 마찬가지다. 모던한 작품으로 공간의 흐름을 계속해서 바꾸고 싶다. 1월에는 침선 기법을 활용하는 김영은 작가의 작품을 전시한다. 앞으로도 공간이 전통에만 머무르지 않도록 한국 젊은 작가의 작품을 꾸준히 소개할 예정이다.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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